Культура Італії

Культура Італії - культура корінних народів Італії і її держав-попередників, які вели старовинним звичаям і культурному побуті.


1. Історія культури Італії

1.1. Епоха Італії

У сформованій епосі Відродження Італії, прийнято виділяти періоди історії італійської культури, і вони мають своєрідні найменування:

При цьому хронологічні рамки сторіччя, звичайно, не цілком збігаються з певними періодами культурного розвитку. Приміром, Проторенесанс датується кінцем XIII століття, Ранній Ренесанс закінчується в 90-х роках XV століття, а Високий Ренесанс зживає себе вже до 30-м рокам XVI століття. Він триває до кінця XVI століття лише у Венеції; до цього періоду найчастіше застосовують термін "пізній Ренесанс".

Епоха дученто, тобто XIII століття, стала початком ренесансної культури Італії - Проторенессансом. Проторенесанс кровно пов'язаний з середньовіччям, з романськими, готичними та візантійськими традиціями (в середньовічній Італії візантійські впливи були дуже сильні поряд з готикою). Навіть найбільші новатори цього часу не були абсолютними новаторами: нелегко простежити в їхній творчості чітку межу, що відокремлює "стару" від "нового". Симптоми Проторенесансу в образотворчому мистецтві не завжди означали ламання готичних традицій. Іноді ці традиції просто переймаються більш життєрадісним і світським початком при збереженні старої іконографії, старої трактування форм. До справжнього ренесансного "відкриття особистості" тут ще не доходить.

Була й інша, історично більш рання лінія в Проторенесансу, рішучіше конфронтуюча готиці. Її починали скульптори - Нікколо Пізано і Арнольфо ді Камбіо. Нікколо Пізано працював ще в сер. XIII століття, коли європейська готика була у повному розквіті. Надихаючись римської пластикою, Пізано долає безтілесність готичних фігур і "заспокоює" їх підвищену експресію. Негативна реакція Нікколо Пізано на тривожну емоційність середньовічного мистецтва віщувала інтелектуальний раціоналізм Відродження, який переміг через 2 сторіччя і приніс з собою нову емоційність - більш зібрану, мужню й інтелектуально збагачену у порівнянні з готичним вихором збентежених почуттів.

Все ж ці твори тільки односторонньо підготовляють і формують естетичне світовідчуття Ренесансу. Це поки ще "мертва вода". Джерелом живої води було мистецтво Джотто. Він єдиний, кого в образотворчому мистецтві Проторенесансу можна поставити поряд з Данте, його сучасником. Нове відчуття людської гідності виразилося у фресках Джотто майже з такою ж силою, як у "Божественній комедії".

Складові елементи проторенессансного світогляду різноманітні: його живила і францисканська єресь, і протилежна їй атеїстична, "епікурейська", і римська античність, і французька готика, і провансальська поезія. І, як загальний підсумок, зріла ідея відродження - не просто відродження античної культури, а відродження і просвітлення людини. Вона становить стрижень поеми Данте, вона одухотворяє і творчість Джотто.

Слава Джотто була великою ще за життя, а в наступному столітті його одностайно визнали найбільшим перетворювачем мистецтва. Він не знав ні анатомії, ні наукової перспективи; за його творами видно, що пейзаж і обстановка цікавили його мало, і зображення звірів, там де вони у Джотто зустрічаються, залишають бажати кращого в сенсі їх природного правдоподібності. Цікавості до всіляких барвистим подробиць світу було більше у готичних художників, ніж у Джотто, а пізніше, з'єднавшись з наукової допитливістю, воно з новою силою спалахнуло у художників кватроченто. Джотто ж, стоїть між тими і іншими, був зайнятий тільки людиною, людськими переживаннями і завданням їх монументального втілення у формах досить умовних.

І все ж була велика частка істини в чутці, що визнала Джотто вірним учнем природи. Не тільки тому, що він ввів в живопис почуття тривимірного простору і став писати фігури об'ємними, моделюючи світлотінню. У цьому у Джотто були попередники, наприклад, живописець Кавалліні. Головне - саме розуміння людини в Джотто було згідно з природою, з людською природою. Душевні переживання героїв Джотто не вище і не нижче людської заходи, і для цього дійсно потрібно було бути глибоким спостерігачем навколишнього життя.

Кватроченто - етап Раннього Відродження в Італії - тріумфальний період в історії мистецтва. Вражає щедрість, переізбиточной художньої творчості, що хлинув як з рогу достатку. Можна подумати, що ніколи стільки не будували, не ліпили, не розписували, як в Італії XV століття. Втім, це враження оманливе: в пізніші епохи художніх творів з'являлося не менше, вся справа в тому, що "середній рівень" їх в епоху Відродження був виключно високим. Він був високий і в середні віки, але там мистецтво було плодом колективного генія, а Відродження розлучилося з середньовічною массовидная і безіменні. Архітектура, скульптура і живопис перейшли з рук багатоликого ремісника в руки художника-професіонала, художника-артиста, який стверджує свою індивідуальність у мистецтві. Звичайно, і в той час були художники більші, і менші, були генії і були просто таланти, були пролагателі шляхів і були їх послідовники, але категорія "посередності" до художників Відродження непридатна. Ця епоха знала честолюбців, користолюбців, але не знала постачальників художніх сурогатів. Мистецтво грало в її житті дуже важливу роль: воно йшло попереду науки, філософії і поезії, виконуючи функцію універсального пізнання.

За давно сформованою історичною традицією зачинателями мистецтва Раннього Відродження вважаються троє художників. Це флорентієць Мазаччо, художник мужнього, енергійного стилю. У своїх творах він досяг небувалої до нього, майже скульптурної відчутності потужних фігур і, підхопивши згасає традицію Джотто, довів до кінця завоювання живописом тривимірного простору. Це скульптор Донателло, який сказав нове слово майже у всіх жанрах і різновидах пластики. Він створив тип самостійно стоїть круглої статуї, не пов'язаної з архітектурою, і він же створив цілу школу майстрів рельєфу, що покриває фризи ренесансних будівель. Йому вдалося повністю подолати не тільки схематизм традиційного церковного мистецтва, але й незграбну нервозність готичної італійської скульптури. Це, нарешті, архітектор і скульптор Брунеллески. Він створив архітектуру цілком світську за духом, витончено просту, гармонійних пропорцій, де як би зовсім зникає відчуття важкості каменю, боротьби сил, опору матеріалу.


1.2. Час проторенессанса

На тлі сильних візантійських і готичних традицій в італійській культурі стали з'являтися риси нового мистецтва - майбутнього мистецтва Відродження. Тому цей період його історії і назвали Проторенессансом (тобто підготували наступ Ренесансу; від грец. "Протос" - "перший").

Аналогічної перехідного періоду не було ні в одній з європейських країн. У самій Італії проторенессансное мистецтво існувало тільки в Тоскані та Римі.

В італійській культурі перепліталися риси старого і нового. "Останній поет Середньовіччя і перший поет нової епохи Данте Аліг'єрі (1265-1321) створив італійська літературна мова. Розпочате Данте продовжили інші великі флорентійці XIV століття - Франческо Петрарка (1304-1374), родоначальник європейської ліричної поезії, і Джованні Боккаччо (1313-1375), основоположник жанру новели (невеликого оповідання) у світовій літературі.

В образотворчому мистецтві безособове цехове ремесло поступається місцем індивідуальному творчості. В архітектурі, скульптурі і живопису висуваються крупні майстри, що стали гордістю епохи, - Нікколо Пізано і Джованні Пізано, Арнольфо ді Камбіо, П'єтро Кавалліні, Джотто ді Бондоне, творчість яких багато в чому визначило подальший розвиток італійського мистецтва, заклавши основи для оновлення.


1.3. Нікколо Пізано

Нікколо Пізано - засновник школи скульптури. Засновником школи італійської скульптури вважається Нікколо Пізано (близько 1220 - між 1278 і 1284). Він народився на півдні, в Апулії, але, працюючи в Пізі, так зріднився з містом, що отримав прізвисько Пізано, з яким увійшов в історію італійського мистецтва.

У його роботах простежується явний вплив античності. Він, безсумнівно, вивчав скульптурне оформлення пізньоримських і ранньохристиянських саркофагів. Шестигранна мармурова кафедра (1260 р.), виконана їм для баптістерія в Пізі, стала видатним досягненням ренесансної скульптури і вплинула не її подальше формування. Кафедра з білого, рожево-червоного і темно-зеленого мармуру являє собою ціле архітектурна споруда, легко доступне для огляду з усіх боків.

За середньовічною традицією, на парапетах (стінках кафедри) представлені рельєфи на сюжети з життя Христа, між ними розташовуються фігури пророків і алегоричних чеснот. Колони спираються на спини лежать левів. Нікколо Пізано використовував тут традиційні сюжети та мотиви, проте, кафедра належить уже новій епосі.

Нікколо став засновником школи скульптури, що проіснувала до середини XIV століття і розповсюдила свою увагу по всій Італії.

Звичайно, багато чого в скульптурі пізанської школи ще тяжіє до минулого. У ній зберігаються старі алегорії і символи. У рельєфах отсутствует простір, фігури тісно заповнюють поверхня тла. І все ж реформи Нікколо значимі. Використання класичної традиції, акцентування обсягу, матеріальності і вагомості фігури, предметів, прагнення внести в зображення релігійної сцени елементи реального земного події створили основу для широкого оновлення мистецтва. У 1260-1270 роках майстерня Нікколо Пізано виконувала численні замовлення в містах середньої Італії.


1.4. Творчість Леонардо да Вінчі

Найбільший художник Італії Леонардо да Вінчі (1452-1519) народився в Анкіано, біля селища Вінчі; батько його був нотаріусом, перебрався в 1469 р. у Флоренцію. Першим учителем Леонардо був Андреа Вероккіо. Фігура ангела в картині вчителя "Хрещення" вже чітко демонструє різницю у сприйнятті світу художником минулої епохи й нової пори: ніякої фронтальної площинності Вероккіо, найтонша світлотіньову моделювання обсягу і надзвичайна натхненність образу. До часу відходу з майстерні Вероккіо дослідники відносять "Мадонну з квіткою" ("Мадонна Бенуа", як вона називалася раніше, на ім'я власників). У цей період Леонардо безсумнівно деякий час перебував під впливом Боттічеллі. Його "Благовіщення" по деталізації ще виявляє тісні зв'язки з кватроченто, але спокійна, досконала краса фігур Марії й архангела, колірний лад картини, композиційна впорядкованість говорять про світогляд художника нової доби, характерному для Високого Ренесансу.

Покинувши Мілан, Леонардо деякий час працював у Флоренції. Там творчість Леонардо ніби освітив яскравий спалах: він написав портрет Мони Лізи, дружини багатого флорентійця Франческо ді Джокондо (близько 1503 р.). Портрет, відомий як " Джоконда ", став одним із самих прославлених творів світового живопису

Невеликий, оповитий повітряної серпанком портрет молодої жінки, що сидить на тлі блакитно-зеленого дивного скелястого пейзажу, повний такий живий і ніжної трепетности, що, за словами Вазарі, у поглибленні шиї Мони Лізи можна побачити биття пульсу. Здавалося б, картина проста для розуміння. Тим часом у великій літературі, присвяченій "Джоконді", стикаються самі протилежні тлумачення створеного Леонардо образа.

В історії світового мистецтва є твори, наділені дивною, таємничою і магічною силою. Пояснити це важко, описати неможливо. У їхньому ряду одне з перших місць займає зображення молодий флорентійки Мони Лізи. Вона, мабуть, була неабиякою, вольовою особистістю, розумною і цілісною натурою. Леонардо вклав в її дивовижний, спрямований на глядача погляд, у знамениту, немов ковзаючу загадкову усмішку, в відзначене хиткою мінливістю вираз обличчя заряд такої інтелектуальної та духовної сили, який підняв її образ на недосяжну висоту.

В останні роки життя Леонардо да Вінчі мало працював як художник. Отримавши запрошення від французького короля Франциска I, він виїхав у 1517 р. до Франції і став придворним живописцем. Незабаром Леонардо помер. На автопортреті-малюнку (1510-1515 рр..) Сивобородий патріарх з глибоким скорботним поглядом виглядав набагато старше свого віку.

Не можна собі уявити, що Леонардо да Вінчі міг жити й творити в іншу епоху. І, тим не менш, його особистість виходила за межі свого часу, піднімалася над ним. Творчість Леонардо да Вінчі невичерпний. Про масштаб та унікальності його дарування дозволяють судити малюнки майстра, займають в історії світового мистецтва одне з почесних місць. З малюнками Леонардо да Вінчі, замальовками, начерками, схемами нерозривно пов'язані не тільки рукописи, присвячені точних наук, але й з теорії мистецтва. У знаменитому "Трактаті про живопис" (1498 р.) та інших його записах багато уваги приділено вивченню людського тіла, відомостями з анатомії, пропорціям, залежності між рухами, мімікою і емоційним станом людини. Багато місця віддано проблемам світлотіні, об'ємної моделювання, лінійної та повітряної перспективі.

Мистецтво Леонардо да Вінчі, його наукові та теоретичні дослідження, унікальність його особистості пройшли через всю історію світової культури, справили на неї величезний вплив.


1.5. Великий Рафаель

З творчістю Рафаеля (1483-1520) в історії світового мистецтва пов'язується уявлення про піднесену красу і гармонію. Прийнято вважати, що в сузір'ї геніальних майстрів Високого Відродження, в якому Леонардо уособлював інтелект, а Мікеланджело - міць, саме Рафаель був головним носієм гармонії. Звичайно, в тій чи іншій мірі кожен з них володів всіма цими якостями. Безсумнівно, однак, що невпинне прагнення до світлого здійсненого початку пронизує все творчість Рафаеля, складає його внутрішній зміст.

Рафаель спочатку навчався в Урбіно у свого батька, потім у місцевого живописця Тімотео Віті. У 1500 р. він переїхав до столиці Умбрії Перуджу, щоб продовжити освіту у майстерні відомого живописця, глави умбрійской школи П'єтро Перуджіно. Молодий майстер швидко перевершив свого вчителя.

Рафаеля називали Майстром Мадонн. Настрій душевної чистоти, ще кілька наївне на одній із його перших невеликих картин - " Мадонна Конестабіле "(1502-1503 рр..), - набуло піднесений характер раннього періоду Рафаеля -" Заручини Марії "(1504 р.). Що здійснюється на тлі чудової архітектури сцена заручення Марії та Йосипа являє собою образ високої краси. Ця невелика картина вже цілком належить мистецтву Високого Відродження. Головні дійові особи, групи дівчат і юнаків підкоряють своїм природним добірністю. Виразні, співучі, мітки і пластичні їх руху, пози і жести: наприклад, сближающиеся руки Марії та Йосипа, надягають їй на палець кільце. У картині немає нічого зайвого, другорядного. Золотисті, червоні і темно-зелені тони, співзвучні з м'якою блакиттю неба, створюють святковий настрій.

В 1504 Рафаель переїхав у Флоренцію. Тут його творчості отримало зрілість та спокійне велич. У циклі Мадонн він варіював зображення молодий матері з Немовлям Христом і маленьким Іоанном Хрестителем на тлі пейзажу. Особливо хороша "мадонна в зелені" (1505 р.). У картині використана пірамідальна композиція Леонардо, а колориту властива тонка гармонія фарб.

Успіхи Рафаеля були такі значні, що в 1508 році його запросили до папського двору в Рим. Художник отримав замовлення на розпис парадних апартаментів Папи, про станц (кімнат) у Ватиканському палаці. Розписи ватиканських станц (1509-1517 роках) принесли Рафаелю славу, висунули його в провідні майстри не тільки Риму, але і Італії.

Як і раніше, Рафаель знову звернувся до улюбленого образу Мадонни з Немовлям. Майстер готувався до створення свого великого шедевра - " Сікстинської Мадонни "(1515-1519 рр..) для церкви Святого Сикста в П'яченці. В історії мистецтва" Сікстинська Мадонна "- образ досконалої краси.

Рафаель був чудовим майстром малюнка. Тут яскраво проявилося його бездоганне, легке, вільне почуття лінії. Значний внесок він зробив і в архітектуру. Саме ім'я Рафаеля - Божественного Санцио - надалі стало уособленням ідеального, наділеного божественним даром художника.

З великими почестями він був похований у римському Пантеоні, де його прах покоїться і понині.


1.6. Творчість Мікеланджело

Мікеланджело Буонарроті (1475-1564) - видатний майстер Високого Відродження, створив видатні твори скульптури, живопису та архітектури.

Дитинство Мікеланджело пройшло в маленькому тосканському містечку Капрезе поблизу Флоренції. Юність і роки навчання він провів у Флоренції. У художній школі при дворі герцога Лоренцо Медічі йому відкрилася краса античного мистецтва, він спілкувався з великими представниками гуманістичної культури. Флоренції належать майже всі скульптурні роботи Мікеланджело. Однак у рівній мірі і Рим може бути названий містом Мікеланджело.

В 1496 р. він приїхав до Риму, де до нього невдовзі прийшла слава. Найвідоміший твір першого римського періоду - " П'єта "(" Оплакування Христа ") (1498-1501 рр..) в капелі собору Святого Петра. На колінах занадто юної для такого дорослого сина Марії розпростерто млявої тіло Христа. Горе матері світло та піднесено, лише в жесті лівої руки немов виплескується назовні душевне страждання. Білий мармур відполірований до блиску. В грі світла й тіні його поверхня здається дорогоцінної.

Повернувшись у Флоренцію в 1501 р., Мікеланджело взявся виконати колосальну мармурову статую Давида (1501-1504 рр..). Статуя досягає п'яти з половиною метрів висоти. Вона уособлює безмежну міць людини. Давид тільки готується завдати противнику удар каменем, пущеним з пращі, але вже відчувається, що це майбутній переможець, повний свідомості своєї фізичної та духовної сили. Особа героя висловлює непохитну волю.

Мікеланджело вважав себе тільки скульптором, що, однак, не завадило йому, щирого сина Відродження, бути і великим живописцем, і архітектором. Найграндіозніша твір монументального живопису Високого Відродження - розпис стелі Сікстинської капели в Ватикані, виконана Мікеланджело в 1508-1512 рр..

В останні десятиліття життя майстер займався лише архітектурою і поезією. Творчість великого Мікеланджело становило цілу епоху, і далеко випередило свій час, воно відіграло грандіозну роль у світовому мистецтві, а також вплинуло на формування принципів бароко.


1.7. Маньєризм

Маньєризм - це особливе течія в європейському мистецтві XVI в. Воно походить від італійського слова maniera - "манера", "прийом", "художній почерк". Вперше цей термін з'явився в європейському мистецтвознавстві в 20-х рр.. XX в., А дослідження маньєризму породило велику наукову літературу зі спірними оцінками та точками зору.

Маньєризм у своєму найбільш загальному виразі позначає антиклассическое протягом, що склалося в Італії близько 1520 р. і розвивалося аж до 1590 р. Мистецтво маньєризму відходить від ренесансних ідеалів гармонійного сприйняття людини, який виявляється у владі надприродних сил. Світ постає нестійким, хитким, в стані розпаду. Образи сповнені тривоги, неспокою, напруженості, художник видаляється від натури, прагне її перевершити, слідуючи у своїй творчості суб'єктивної внутрішньої ідеї", основою якої є не реальний світ, а творча уява; засобом ж виконання служить "прекрасна манера" ​​як сума певних прийомів . Серед них - довільна витягнутість фігур, складний змієподібної ритм, нереальність фантастичного простору й світла, часом холодні пронизливі фарби.

Перший етап італійського маньєризму охоплює 20-40-і рр.. XVI в. і являє собою порівняно вузьке протягом, найяскравіше втілене в живопису. Найбільшим і обдарованим майстром складної творчої долі був Якопо Понтормо (1494 -1556). У його відомій картині "Зняття з хреста" композиція нестійка, фігури химерно зламані, світлі фарби різання.

Перше покоління маньєристів завершує Франческо Маццола, прозваний Параміджаніно (1503-1540), витончений майстер і блискучий рисувальник. Він любив вразити глядача: наприклад, написав автопортрет в опуклому дзеркалі. Навмисна нарочитість відрізняє його відому Мадонну з довгою шиєю" (1438-1540 рр..). Другий етап маньєризму (1540 -1590 рр..) Перетворюється в Італії в широке протягом, що охоплює живопис, скульптуру і архітектуру. Маньєризм стає придворно-аристократичним мистецтвом, яке спочатку розвивається у герцогствах Парми, Мантуї, Феррари, Модени, а потім затверджується у Флоренції та Римі.

Найбільший майстер - художник двору Медічі Аньоло Бронзіно (1503 -1572), особливо відомий своїми парадними портретами. У них відгукнулася епоха кривавих злодіянь і морального падіння, що охопила вищі кола італійського суспільства. Знатні замовники Бронзіно як би відділені від глядача невидимим відстанню; застиглість їх поз, безпристрасність осіб, багатство одягу, жести прекрасних пустопорожніх рук - немов зовнішня оболонка, приховує внутрішню неповноцінну життя.

Створений маньєризмом тип придворного портрета вплинув на портретне мистецтво XVI-XVII століть в інших країнах, де він зазвичай розвивався на живий, здорової, часом більш прозаїчною місцевій основі.


1.8. Італійський поет Петрарка

Італійський мислитель і поет Франческо Петрарка народився 20 липня 1304 в місті Ареццо, де якийсь час жив його батько, за професією нотаріус, в свій час був вигнаний з Флоренції. У 1312 році, коли Франческо було вісім років, його сім'я переїхала в Авіньйон, де тоді перебував папський двір. В Авіньйоні Петрарка провів все своє дитинство. Будучи дев'ятирічним хлопчиком, Петрарка зацікавився висловами Цицерона, музикою його слова, з яким його познайомив учитель, Конвеневоле да Прато. Пізніше він говорив про це: "Така ладность і звучність слів сама собою захоплювала мене, так що все інше, що я читав або чув, здавалося мені грубим і далеко не таким струнким". Безсумнівно, твори Цицерона запам'яталися йому на все життя.

У 1326 Петрарка приймає духовний сан. Його вчителями, думкам яких він невідступно слідував у релігійному справі, були тільки давні автори і засновники ранньої церкви (найбільше Ієронім і Августин). Тоді ж, в 1326 році Петрарка поступає на юридичний факультет в Болоньї, де відвідував заняття разом зі своїм молодшим братом, Герардо Петраркою.

Мабуть, один день - 6 квітня 1327 став переломним у житті Франческо Петрарки. Тоді він зустрів жінку, яку він полюбив на все життя. В історію вона увійшла під ім'ям Лаури. Хто вона була - досі достеменно не відомо. Натхненний своїм почуттям, Петрарка написав свої перші сонети, які не тільки ввійшли в золотий фонд "поетичної науки любові", але і стали чудовим зразком для послідовників і наслідувачів Петрарки і залишаються ними до цього дня. Відомо, що Франческо Петрарка був не тільки геніальним мислителем і філософом, але й поетом; він вважається родоначальником італійської національної поезії.

У 1330 Петрарка закінчує навчання і поступає на службу до кардинала Джованні Колони, що дало йому, синові вигнанця, і певне суспільне становище, і можливість відігравати помітну роль у житті сучасного йому світу.

На початку 1337 Петрарка вперше відвідав Рим. Пізніше він писав про це так: "Рим видався мені ще більш великим, ніж я припускав, особливо великими мені здалися його руїни". Можна подумати, що мислитель говорив так жартома, але це зовсім не так. Швидше, Петрарка казав про велике минуле тодішньої Римської імперії. Потім філософ оселився в містечку Воклюзі, поблизу Авіньйона, де фактично почався розквіт його творчості. Поетичні твори Петрарки приносили свої плоди, і вже 1 вересня 1340 він отримав відразу дві пропозиції вінчатися лаврами першого поета: перше надійшло від Паризького університету, друге - з Риму. Петрарка, поміркувавши, віддав перевагу Риму. У квітні 1341 Петрарка був увінчаний лаврами на Капітолії.

Петрарка був свідком страшної чуми, яка в XIV столітті забрала життя більш ніж третини населення Європи. Тільки в італійських містах Сієні і Пізі померло більше половини жителів. Однак самого Петрарку чума обійшла стороною.

У 1351 році флорентійська комуна направила до Петрарці Джованні Боккаччо (відомого мислителя, що згодом став близьким другом Петрарки) з офіційним посланням, запрошує поета повернутися у Флоренцію, звідки були вигнані його батьки, і очолити створену спеціально для нього університетську кафедру. Петрарка зробив вигляд, що задоволений і готовий прийняти цю пропозицію, однак, покинувши в 1353 Воклюз і повернувшись в Італію, він оселився не у Флоренції, а в Мілані.

Влітку 1356 Петрарка був з посольством до чеського короля Карлу IV від государя Мілана Галеаццо Вісконті.

Навесні 1362 Франческо Петрарка, "втомлений від світу, від людей, від справ, втомлений до крайності від самого себе", відправився з Мілана до Праги, слідуючи триразового запрошення Карла IV, але по дорозі був затриманий господарювали в Ломбардії загонами найманців і повернув у Венецію, де й оселився.

У Венеції Петрарка був почесним гостем. У рішенні Великої ради Венеції від 4 вересня 1362 року, коли Республіка прийняла його план улаштування публічної бібліотеки, говорилося, що "на людській пам'яті не було в християнському світі філософа чи поета, якого можна було порівняти з ним". У своєму заповіті Петрарка дарував всі свої книги Венеціанській республіці з умовою, що вони стануть основою публічної бібліотеки, влаштованої за його планом.

За словами самого Петрарки, його життя складалося нелегко. Про свою долю він говорив так: "Майже все моє життя пройшла в поневіряннях. Я порівнюю свої блукання з Одіссеевом; будь блиск його імені і подвигів однаковим, його мандри не виявилися б ні довше, ні довше моїх ... мені легше перерахувати морський пісок і небесні зірки, ніж всі перешкоди, які ставила заздрять моїм працям фортуна ".

Петрарка якось обмовився: "Я хочу, щоб смерть застала мене або тих, що моляться, або пишучим". Так воно і сталося. Франческо Петрарка помер в Аркве в ніч на 19 липня 1374 року, не доживши до свого сімдесятиріччя лише одного дня.

Всі твори Петрарки були просякнуті незвичайним романтизмом і гуманізмом, любов'ю до навколишнього світу. Серед його найвідоміших творів: комедія "Філологія", "Канцоньєре", тобто книга віршів і пісень, героїчна поема "Африка", "Ліки від примх долі", збірки сонетів "На життя Лаури" і "На смерть Лаури", " Книга достопам'ятні речей "і незакінчена поема" Тріумфи ".

Франческо Петрарка був першим великим гуманістом, поетом і громадянином, який зумів прозріти цілісність предвозрожденческіх течій думки й об'єднати їх у поетичному синтезі, що стала програмою прийдешніх європейських поколінь. Своєю творчістю він зумів прищепити цим прийдешнім різноплемінним поколінням Західної і Східної Європи свідомість - нехай не завжди чітке, але таке, яке стало як би правлячого в розумі і натхнення для них.


1.9. Міланський театр Ла Скала

Всесвітньо відомий театр " Ла Скала ", розташований в Мілані, по праву вважається світовим центром оперної культури.

Будівля театру побудовано в 1776-1778 роках на місці церкви "Санта Марія делла Скала", звідки театр і отримав свою назву "Ла Скала" - оперний театр у Мілані. Цікаво, що при розкопці майданчика для будівництва театру була знайдена велика мармурова брила, на якій був зображений Пілад - знаменитий мім Стародавнього Риму. Це було сприйнято як добрий знак. Будівля театру, споруджена архітектором Дж. Пьермаріні, було одним з найкрасивіших будівель у світі. Воно витримане в строгому неокласичному стилі і відрізняється бездоганною акустикою.

Художня обробка залу для глядачів поєднувалася зі зручним розташуванням місць у ньому і відповідало всім найсуворішим вимогам оптики. Будівля театру дорівнювало 100 метрам в довжину і 38 - у ширину. У середині фасаду височів портал для в'їзду карет з дамами і їх кавалерами. Зал мав форму підкови. У ньому було п'ять ярусів лож і галерея. Лож було всього 194 (ще й королівська ложа). У кожній ложі містилося від 8 до 10 осіб. Всі ложі були пов'язані між собою коридором. За ним слідував другий ряд лож, в якому розташовувалися столи для карткової гри і торгівлі напоями. Сцена театру була досить невелика.

У партері спочатку не було крісел - їх замінювали складні і пересувні стільці. Освітлення було досить мізерним. У ложах запалювали свічки, а ті, хто сидів у партері, не ризикували знімати своїх капелюхів та інших головних уборів, так як на них капав розплавлений віск. Опалення в театрі не було. Але зал театру був чудовим - виконаний у білих, срібних і золотих тонах. У цьому чудовому залі відбувалося все - від балів до азартних ігор і кориди. Будівля театру варто Милану близько 1 мільйона тодішніх лір. Витрати розподілили між собою 90 аристократів міста. Будівля театру не раз реставрувалася.

Під час Другої світової війни воно було зруйновано і відновлено в первинному вигляді інженером Л. Секкі. Театр "Ла Скала" знову відкрили в 1946 році. "Скала" (як називають театр італійці) відкрилася в серпні 1778 двома операми, в тому числі і спеціально написаної до цієї нагоди оперою А. Сальєрі "Визнана Європа". За ними пішли два балети. Міланці швидко полюбили свій театр. І простий люд, і аристократи юрмилися біля дверей театру, бажаючи у нього потрапити. Але, звичайно ж, далеко не всі прагнули в театр, щоб слухати оперу. Значна частина публіки проводила час у коридорах, випиваючи і закушуючи.

До кінця XVIII століття на сцені театру ставилися також драматичні спектаклі. У них виступали популярні на той час трупи театру маріонеток та драматичні, але оперні сезони, що мали назви "карнавальні", "осінні", "весняні", "літні", одразу стали регулярними. У період "карнавального сезону" ставилися опери-серіа і балети, в решту часу головним чином опери-буф. В кінці XVIII - початку XIX століть у репертуарі театру з'явилися опери італійських композиторів П. Анфоссі, П. Гульєльмо, Д. Чимароза, Л. Керудіні, Дж. Паізіелло, С. Майра. У 1812 році на сцені театру відбулася прем'єра опери Дж. Россіні "Пробний камінь". Вона поклала початок так званому россініевскому періоду. Театр "Ла Скала" першим поставив його опери "Аурельяно в Пальмірі" (1813), "Турок в Італії" (1814), "Сорока-злодійка" (1817) та ін Одночасно театр ставив широко відомі опери Россіні. На його сцені вперше були поставлені опери Дж. Мейєрбера "Маргарита Анжуйська" (1820), "Вигнанець з Гренади" (1822), а також найбільш значні твори Саверіо Меркаданте.

Починаючи з 30-х років XIX століття історія "Ла Скала" пов'язана з творчістю найбільших композиторів Італії - Г.Доніцетті, В. Белліні, Дж. Верді, Дж. Пуччіні, твори яких тут були поставлені вперше: "Пірат" (1827) та " Норма "(1831) Белліні," Лукреція Борджіа "(1833)," Оберто "(1839)," Навуходоносор "(1842)," Отелло "(1887) і" Фальстаф "(1893) Верді," Мадам Батерфляй "(1904) і" Турандот "Пуччіні. Верді, наприклад, не надто спочатку жалував цей театр. В одному зі своїх листів він говорив графині Маффі:" Скільки разів я чув, як у Мілані кажуть: "Скала" кращий театр на світі. У Неаполі: "Сан-Карло" найкращий театр на світі. У минулому і в Венеції говорили, що " Феніче "найкращий театр на світі ... А вже в Парижі опера найкраща у двох, а то і в три світи ..." Великий композитор волів би такий театр, "який не так хороший". Проте в 1839 Верді успішно дебютував у "Скала". Але він був незадоволений тим, як поставили його "Жанну д'Арк", вважав постановку "ганьбою", розірвав з театром контракт, грюкнув дверима і пішов. Але все ж цей театр - заповітна мета музикантів усього світу. Завжди. У всі часи. Місце співака або диригента в "Ла Скала" - це всемогутня візитна картка. З нею він буде завжди і скрізь прийнятий. В цей театр також цілеспрямовано прагне і публіка. Багаті туристи з Європи, Америки та Японії завжди вимагають від турагентств можливості провести вечір у цьому знаменитому театрі.


1.10. Кінематограф

В італійському кінематографі багато режисерів зі світовим ім'ям - Роберто Росселліні, Лукіно Вісконті, Мікеланджело Антоніоні, Федеріко Фелліні, П'єр Паоло Пазоліні, Франко Дзеффіреллі, Серджо Леоне, Бернардо Бертолуччі, Джузеппе Торнаторе.


1.11. Мультиплікація

В останні роки в усьому світі завойовують популярність роботи італійських аніматорів - таких, наприклад, як Петер Чої ("Супер-герої" та ін), Мауріціо Форестьері ("Гладіатори", "Магія футболу" та ін) і Орландо Корраді (мультфільми "Легенда про Зорро", "Багдадський злодій" та ін, мультсеріали " Чорний пірат "," Вірус атакує ").

Література

1. Лев Любимов "Мистецтво Західної Європи", М., 1982 2. Велика Радянська Енциклопедія 3. Мультимедійна енциклопедія "Leonardo da Vinci", EMME Interactive, 1996 4. Мультимедійна енциклопедія "Le Louvre. Palace & Paintings", Montparnasse Multimedia, 1996 5. Мультимедійна енциклопедія "ART. Історія Мистецтв", фірма "Омікрон", 1996

Примітки